"La canción inicial, «There's Always», combina guitarras melódicas y una batería expansiva con la voz de Leavins, que se eleva por los aires, logrando un equilibrio inmediato entre sus características influencias de los crooners de los años 50 y 60 y la sensibilidad dance del post-punk de los 80. En esta canción se aprecia un parecido asombroso con The Smiths, sobre todo en la voz y en la dualidad entre el anhelo y la melancolía." (clashmusic.com)
Morrissey. Sala Mozart. Zaragoza, 14 de marzo de 2026.
"Me gustaría que la vida fuese regulable como el agua caliente de mi baño. Me gustaría desaparecer, perder la consciencia. Porque la juventud es una niebla que, cuando se disipa, te deja tirado en medio de un paisaje extraño. Allí es donde me encuentro". Esta frase de Óscar Sipán se pudo leer aquí mismo en 2010, hace dieciséis años, y ya entonces me representaba. Allí me encontraba entonces, en un paisaje extraño. Y tanto tiempo después, el extraño paisaje se ha hecho más desértico, más intransitable, irrespirable, inhabitable, casi irreconocible del todo.
Fui uno de aquellos que en 2004 insultaron y odiaron -momentáneamente- a Morrissey cuando en el FIB, visualizando en el peregrinaje de acceso al recinto las bombillas rojas que configuraban su nombre sobre el escenario, escucharon que no se iba a presentar al evento. También fui de los que se lo perdonaron y volvió en 2006 al mismo escenario. Durante muchos, muchísimos años, Morrissey se ha ganado a pulso el ser considerado un ser despreciable, egocéntrico, faltón, vesánico, de ideología sospechosa, irrespetuoso con sus seguidores cancelando conciertos una y otra vez por los motivos más estrambóticos. Y sin embargo, su sólida e inquebrantable masa de fans -construida gracias a los cuatro discos con The Smiths, y a los primeros en solitario que abarcan su período 1988-1994- le ha pasado por alto todo una y otra vez y se ha postrado a sus pies olvidando al instante las ofensas.
"Coge cualquiera de las canciones, exprímela una y cien veces y saca las frases con las que seguro que te identificas. Entonces y ahora, un escaparate emocional fundamental en nuestras vidas". Javier M. Carpi (The Smiths: un placer insuperable)
Anteriormente, en "Colector de frecuencias":
Funeral party: The Cure 1979-1992
(Rescue) McCulloch
Nick Cave monumental
The Jesus & Mary Chain: 20 canciones y 20 versiones
bigott: 40 piezas cum laude
Felt: 20 espirales de cristal
"Addicted to Raveonettes". Favoritas 2003-2020
Los 40 principales de Sr. Chinarro (1993-2020)
5* de Starflyer 59
Dean Wareham estelar: sus 50 mejores canciones
Mis 25 miniaturas preferidas de Stephin Merritt
La revista Muzikalia dedica uno de sus podcasts "Conexiones MZK" a los Smiths, reivindicando su discografía a propósito de los 40 años que se cumplen desde que iniciaran su actividad discográfica.
Para ello cuentan con 20 personas del mundo de la música y de la crítica musical, periodistas como Julio Ruiz, Rafa Cervera, Carlos Pérez de Ziriza y Laura Pardo y artistas como Natalia Quintanal, Antonio Luque, Jorge Martí, Ricardo Lezón, Leia Destruye, The New Raemon o Esther de Peligro!
Dos horas de celebración a una carrera impecable. Morrissey, Johnny Marr, Andy Rourke y Mike Joyce dejaron un legado inmortal: cuatro discos de estudio, tres recopilatorios con sus respectivas caras B y posteriormente un directo y otras compilaciones. Y es que hay pocos casos como el de The Smiths, un grupo que en apenas un lustro facturó una colección de canciones eternas con las letras más ingeniosas y profundas de su generación, las melodías de guitarra más arrebatadoras y una base rítmica que sustentaba el conjunto. Dirige Manuel Pinazo
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A diferencia de Morrissey, que ya va por las 53 primaveras largas, Johnny Marr aún no se ha hecho merecedor de entrar en esta sección. Pero aún así lo incluimos, pues está a tan solo unos meses de cumplir la cincuentena.
Johnny acaba de editar oficialmente, y también curiosamente, el primer álbum en solitario de toda su discografía. Mientras Morrissey encadenó el éxito absoluto de los Smiths a su andadura personal, y cosechaba idolatría independientemente de la irregular calidad de sus trabajos, desde 1989 Johnny ha ido perdido entre colaboraciones y proyectos propios fallidos. Empezó muy bien, con Matt Johnson y sus The The y con Bernard Sumner en Electronic, pero a partir de ahí, desde luego no le llamaremos "el estresao". Vivir de rentas debe de estar muy bien, pero lo malo de Marr es que cuando le daba por aparecer nos daba un poco de pena recordar su época smith con su fantástico sonido de guitarra. Con The Healers se apuntaba al carro brit con más pena que gloria, y sus colaboraciones con The Cribs, Modest Mouse y tantos otros parecían llamadas de atención por parte de los grupos de presumir de 'ilustre'. Aunque fuera venido a menos.
Y como he dicho antes, Johnny saca disco exclusivamente a su nombre. Y, bueno, no hay demasiadas sorpresas. Las positivas son tres. Tres grandes canciones. Una, "New Town Velocity", que es una vuelta al pasado que brilla con luz propia, con su característico deje de guitarra limpia y melancólica. Y canta bien. Merece la pena, porque al menos, y después de muchísimo tiempo, una canción de Johnny Marr logra traspasar la piel. Dos, "European me", una canción que tiene nervio y efervescencia, aunque tales cualidades quizá se las deba un poco al "Penelope Tree" de Felt, a la que se parece un pelín gordo en el estribillo. Tres: "The Messenger", que da título al álbum y que, con su ritmo cadencioso y su riff clásico, con las escuchas va calando.
El resto, un reflejo de la carrera de Marr de los noventa y dos mil. Un par o tres de dignas canciones con oficio rockero ("Upstarts", "Lockdown", "Generate! Generate!"), y el resto, la mitad del álbum, olvidable un minuto después de escucharlo. De todas formas, aún con la balanza perdida, doy esta batalla ganada para Johnny Marr por recuperar el pulso en sus mejores canciones. x Matías Galli
Martin Rossiter, cantante de Gene, habría ganado esta competición con suma facilidad: su inflexión vocal y entonación no esconde su admiración por el mancuniano, pero en su haber hay que decir que iba sobrado de pasión y clase.
Canción: "Well I wonder".
Intérprete: The Smiths.
Incluida en: "Meat is murder (1985).
La banda editó en Rough Trade su primer disco en 1990, luego le siguieron un par más para otros sellos y desaparecieron del mapa, aunque nos dejaron un buen recuerdo y maravillosas canciones pop. La voz de Harriet Wheeler nos recuerda mucho a la Björk de The Sugarcubes. Y cuando escuchamos el primer single de los irlandeses The Cranberries, “Dreams”, en 1992, pensamos que era Harriet -más tarde Dolores O’Riordan aumentaría su registro para hacernos olvidar esta coincidencia-.
Este músico bretón siempre ha hecho gala de una creatividad muy especial, muy diferenciada del resto de coetáneos franceses y europeos. "Dust Lane" está poblado de canciones largas, llenas de intensos crescendos y coros de voces. Yann Tiersen es un músico de gran formación clásica, brillante, de profunda sensibilidad y que nunca se acomoda.
En su anterior disco se revelaron como grandes fabricantes de canciones melancólicas, por encima de las más movidas. En "Let Me Come Home" ocurre lo contrario: sus remolinos de guitarras se hacen con el mando de un disco muy completo, en el que la voz de Jamie Sutherland es un activo imprescindible y decisivo en el emocionante indie folk épico de estos escoceses.
Los tengo en un pedestal muy alto todavía, y su único enemigo son ellos mismos, porque son capaces de rozar el cielo del pop si quieren. Para mí no están a la altura de “Lesser Matters” y “Pet Grief”, no tienen canciones rompecorazones, pero aún el sonido que destilan en este disco sigue siendo mágico y ensoñador.
Este dúo tiene particular destreza en dotar de cercanía y talento pop a un sonido cercano al noise pop y al shoegaze. "Sleep Forever" es un buen disco de un grupo americano muy británico enamorado de la distorsión. Sus canciones "Hearts Of Love", "Sleep Forever" y sobre todo "Mirrors" los colocan en objeto de deseo de nuestra predilección.
Las influencias de Joy Division y New Order planean con fuerza en la apertura del disco con “Blind Visions” como gran declaración de intenciones. Sin embargo es en la parte central, con la grandísima “Last Year’s Disco Guitars” donde la vuelta de tuerca hacia Smiths o el dreampop nos hace vibrar con más intensidad.
En "Shadows" encontramos a los “Tinajas” de siempre, con canciones para su colección de grandes (“Shock and Awe”, “Baby Lee”, “When I Still Have Thee”, “Into The City”) y otras, que aunque no sean tan brillantes, irán siempre asociadas al sonido TFC, ése que nos acompañó a lo largo de toda nuestra existencia vinculada a la música. 
La música de The Cavalcade te la echas encima como el agua de un ibón del Pirineo: cristalina, refrescante, rejuvenecedora, limpia, purificadora. Me vienen a la cabeza términos como C-86, twee pop o Sarah Records. Música que te reconfortaba el alma y te hacía sentir triste y afortunado. "Many Moons" está repleto de guitarras inmaculadas y melodías sensibles.
Neil Hannon nunca defrauda. Puede entusiasmar más o menos con su particularísima concepción del pop, pero no decepcionarte. No hay otro como él, con ese toque de dandy tan poco visto o tan mal interpretado en nuestros días. "Bang Goes The Knighthood" es una reconciliación con el Hannon más inspirado de antaño.
se produjo un año antes con el single “Going To Heaven To See If It Rains”, tras el cual vino “Never Seen Before”, otro gran single que daría pie al álbum que les colocaba en un lugar privilegiado en la escena británica en total ebullición en aquellas fechas. El disco es pura gloria de estribillos talentosos y guitarras vitaminadas. Los punteos de la inicial “Just Too Bloody Stupid” pone en alerta de lo que nos vamos a encontrar, como la fenomenal mezcla sonidos de guitarra de “Sewer Pipe Dream”, el maravilloso ascendente go-between de “I Kiss The Flower In Bloom”, una de esas canciones que jamás se olvidan, sobre todo ese final esplendente coreando el verso que da título a la canción, el incendio de guitarras adolescentes de “Pathetique” y la vuelta a la exquisitez pop de “A Prophecy”, una de esas canciones perfectas que el paso del tiempo no se atreve a amenazar, “In Spite Of These Times”, “Foxheads” y “Pimps” manteniendo la espiral de inspiración y estímulos enormemente disfrutables para los amantes del indie pop clásico, y el final del disco con “Mother Of God” rompiendo la media de duración de canciones, con casi ocho minutos de enérgica hipnosis guitarrera. Estos son los discos que perduran: 23 años después y el mismo virus infeccioso corre por tus venas al escucharlo…
nos dejó un puñado de canciones de esas que marcan una época, que asocian recuerdos y de efecto indeleble y permanente. Como regalo final, en 2009, Burnett y Wilmington remasterizaron sus canciones para lanzar un recopilatorio de singles llamado “Forever Until Victory” que, además de las joyas que hemos descrito de su álbum de debut, incluye otras curiosidades y magníficas canciones que no conocíamos (como la que se incluyó en la C86, “Firestation Towers”) y que engrandecen su pequeña leyenda de magos de la melodía y fanáticos de un sonido de guitarras tan entrañable como embriagador, de alguna forma herederos de grupos como Orange Juice, Smiths o Buzzcocks. Que el grupo con más perspectivas de gloria indie actual, The Pains Of Being Pure At Heart, los cite entre sus influencias más importantes, debería bastar para que la gente vaya a buscarlos y rescate sus estupendas canciones. x Fernando SoYoung
Digo esto sobre todo por The Pains Of Being Pure At Heart, el grupo actual que garantiza que todo lo que toca es oro, y del más puro que se pueda encontrar. Como les pasó a The Smiths o a Belle & Sebastian, se espera cada canción suya con una expectación inusitada, porque hasta ahora no han fallado en nada. Hasta las bonitas portadas juegan a su favor. "Heart In Your Heartbreak" es el título de su nuevo single, de nuevo una canción al más puro estilo indie pop de guitarras infecciosas y exquisita melodía. Pero si en algo se salen TPOBPAH es en sus caras b. Como ya hicieran con la maravillosa "Lost Saint", cara b de su anterior single "Say No To Love", "The One" es aquí la canción que acompaña a la canción titular, y no la desmerece en nada. Con las mismas coordenadas, la misma pasión, el mismo talento y el mismo magnetismo pop. Fantásticos.
Asobi Seksu también acaba de lanzar un single previo a su próximo álbum "Fluorescence", previsto para el próximo 14 de febrero. Se llama "Trails" y empieza de forma extraña, como desacompasada, disonante en sonido y voces. Poco a poco un muro de guitarras y la voz de Yuki Chikudate van encauzando la canción y ésta va creciendo y creciendo hasta dejarnos convencidos de que esta nueva etapa del grupo puede ser mejor que la de "Hush" (2009) y retomar la del gran "Citrus" (2006), donde se concentraron las mejores canciones del dúo neoyorquino.
Por aquí siempre hemos pensado que Patrick Wolf tiene un talento desbordante. En mayores o menores dosis, en todos sus discos se encuentran joyas de brillo imperecedero, como "The Libertine", "Hard Times", "Wind In The Wires" y otras muchas canciones que hacen de Patrick Wolf uno de los trovadores más heterogéneos y sorprendentes del pop anglosajón. Polémico a veces, pero con un carisma fuera de toda duda a sus 27 años. "TBA" saldrá en primavera, y será su quinto disco, del que nos adelanta la gran "Time Of My Life" otra cápsula de centelleante glamour, de cuerdas versátiles y de emoción vitaminada. Uno de los clásicos instantáneos de los que no nos cansaremos nunca. Si no es más grande es porque el mundo es lerdo.
Bishop Morocco: "Bishop Morocco" (2010).
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